Аниш Капур – мастер простых форм

«Если я уж во что-то верю, так это в факт, что художник должен научится жить, точно не зная, что происходит вокруг» Аниш Капур

Недавно отпразновавший 58-летие, Аниш Капур находится в расцвете творческих сил и уже достиг вершины славы. За свою длительную карьеру он совершил многое: стал первым британским художником, чьи работы при жизни были показаны в Королевской Академии в Лондоне; его персональную выставку посетило 275 000 посетителей, что сделало ее самым успешным прижизненным показом в истории британского искусства; проектировал сценографию для классическых опер Моцарта, Дебюсси и танцевальной постановки Жюльет Бинош; создал самый масштабный художественный проект когда-либо существовавший на территории Великобритании и самую дорогостоящую скульпутуру в мире. На сегодняшний день творческие идеи Капура принесли ему сумму равную $ 62 млн. Эти же идеи послужили школой молодому поколению художников, поводом для новых теорий арт-критики и одновременно моральной опорой для людей, потерпевших великие катастрофы истории и современности.

На Венецианской биеннале 1990 года, где Капур представлял Великобританию, ему была присуждена Premio Duemila. В следующем году он получил одну из наиболее престижных наград современного искусства – британскую премию Тернера. В 1999 году Капур был избран академиком Королевской Художественной Академии и удостоен почетного членства Лондонского института, Университета Лидса (1997) и Королевского института британских архитекторов (2001).

Его работы хранятся в постоянных коллекциях известных музеев мира: Музее современного искусства в Нью-Йорке, галерее Тейт Модерн в Лондоне, музее Гуггенхайма в Бильбао, музее современного искусства Стокгольма, музее искусства ХХI века в Японии. Персональные выставки Аниша Капура проводились в галереях Тейт и Хейворд в Лондоне, Кунстхалле Базеля, музее королевы Софии в Мадриде, Национальной галерее в Оттаве, Музее современного искусства искусств Бельгии, Centro Cultural Banco do Brasil в Бразилии, музее Гуггенхайма Нью-Йорка и Берлина

Но задумываться о ретроспективной выставке Аниш Капур себе не позволяет. И говорит, что у него еще слишком много нереализованных идей для будущих проектов, чтобы оглядываться в прошлое.

Его работы «обличают простоту глубины» – считают критики. Капур создает «первопричины» – утверждают другие. Сам же художник настаивает на том, что ему «нечего сказать».

1954: родился в Бомбее, Индия

1970-1973: учился в Техническом институте в Израиле

1973: переезжает в Лондон, где учится в художественных школах Hornsey и Chelsea

1990: представляет Британию на Венецианской биенале, где был награжден Premio Duemila

1991: британская премия Тернера

1996: открыл Мемориал Холокоста в Либеральной Еврейской Синагоге (Лондон) в честь годовщины террора Ночи Разбитых Витрин

1999: избран членом британской Королевской Академии Художеств

2000: скульптура «Марсий» окрыта для показа в галерее Тейт в Лондоне

2002: в Лондоне представлена инсталляция «Параболические воды»

2006: открытие скульпутры «Облачные Врата» в Чикаго – на сегодняшний день самой дорогой в мире художественной работы стоимостью в £10 млн.

2007: создал скульптуру «Сваямбх»

2009: создает пять скульптур для Tees Valley, средняя высота которых – 100 м

Творчество Аниша Капура не вписывается в традиционные рамки британского современного исккусства, оказываясь как бы между поколений и вне школ. С одной стороны, он принадлежит к следующему за так называемой группой Новых Британских Скульпторов поколению, таких как Ричард Дайко и Ричард Вентворт. Хотя развитие их взглядов во многом идет в одном направлении, особенно со времен совместной выставки в лондонсой галерее Lisson – неизменно представляющую эту гуппу художников.  Все же, чтобы считатся представителем группы Новых Британских Скульпторов Капур слишком молод.

Но с другой стороны, к 1991 – году, когда Капур выиграл премию Тернера, ему было 37, и он был самым старшим в списке учасников, который включал, например, Рейчел Уайтрид и многих других представителей нового поколения группы Британских Художников. Однозначно причислять Капура к этому поколению художников также нельзя – когда их язык лишь формировался, Капур уже уверенно проговаривал свои идеи: звучные, четко узнаваемые, своеобразные. Идеи его, и никого другого.

Искусство интересовало Аниша Капура с раннего возраста, но не смел перечить указаниям ролитетлей и в возрасте 16 лет с одним из братьев отправился в Израиль, чтобы некоторое время провести в Кибуце, а затем приступить к учебе в университете по специальности электротехники.

На вопрос о влиянии еврейской культуры на свое мировозрение Аниш Капур отказывается отвечать и настаивает на том, что в вопросах его воспитания родители – мать еврейских кровей и отец из традиционной индуистской семьи – были «космополитичны и современны».

На протяжении первых шести месяцев в университете выяснилось, что проблемы Капура в освоении математики делают невозможным его последующее обучение. «Тогда я решил, что стану професиональным художником. Поэтому я уехал в Лондон, чтобы поступить в художественную школу». С 1970 по 1973, будучи уже в Лондоне, Капур посещал лекции в Hornsey College of Art и Chelsea School of Art. Это время для художника стало своего рода передышкой – периодом психологической адаптации к новому окружению.

Его ранние студенческие работы носили преимущественно перформативный характер – в них не было повествования, но был процесс, по мнению самого автора, глубоко символичный. Перформансы были поставлены на основе взаимоотношений двух людей, которые взаимодействуют через обьект, какой-либо реквизит. Работа с этим обьектом была очень важна, часто носила сексуальный подтекст. «Язык всех моих последующих работ был заложен уже в этих студенческих перформансах, черт возьми» – вспоминает Аниш Капур.

1979 стал знаковым годом для Капура. «Тогда в начале года я снова уехал в Индию ... и там внезапно осознал, что все мои работы, созданные в художественной школе и мастерской Лондона связаны с тем, что я уже видел здесь, на родине в Индии. Говоря о связи, я имею ввиду то особое отношение к предмету, обьекту, которое воспитала во мне индийская культура». Отношение к обьекту как к части ритуального процесса. Творение, буквально религиозное творение, примеры которого Капур неосознанно наблюдал в повседневной жизни Индии. Именно из идеи ритуала и возникли первые значительные работы художника.

Тысяча имен

1980-е и 1990-е  

Извесность пришла к Анишу Капуру в 1980-е годы, благодаря созданию геометрических, биоморфных скульптур, созданных из таких простых материалов, как гранит, известняк, мрамор и разные виды штукатурки. Эти ранние скульптуры зачастую имели вид просто изогнутой формы.

Их цвет стал определяющим мотивом. Через порошковый пигмент, которым были окрашены скульпутры, он проникал в саму их форму. «Когда я создавал окрашенные таким образом обьекты, мне казалось что они формируются, проистекают один из другого. Поэтому я решил дать им общее название «Тысяча имен», что для меня означает бесконечность, ведь тысяча - символическое число».

В искусстве «до Капура» на протяжении многих лет существовала традиция, которая диктовала определенное отношение к материалу в скульптуре. Следовательно этой традиции, материал в искусстве должен был оставатся тем, чем он есть вне искусства, в реальности. Капур еще со студеческих лет категорически не соглашался с этой парадигмой и утверждал в материале начало иллюзии. Нерушимая «реальность материалов» стала тем, от чего художник бежал в своих поисках. В частности в эксперементах с пригментом – «Я быстро осознал, что когда наносишь пигмент на обьект, то он остается не только на его поверхности».

Окрашенные пигментом объекты могут быть спроецированы на стены галереи или выставлены на полу. В последнем случае пигмент, покрывающий обьект, также захватывает и поверхность вокруг. Тогда все это пространство читается как цельная инсталляция, а сам обьект, как считает скульптор, выглядит вершиной айсберга над поверхностью воды. «Таким образом, я создаю иллюзию, что большая часть находящегося на поверхности окрашенного обьекта, скрыта в ее глубине и остается для нас невидимой. Эти обьекты иллюстрируют мою мысль о том, что мы видим лишь часть, и не имеем полного представления об обьекте или идее».

В ходе экспериментов с пигментом, Капура все больше и больше захватывала природа невидимых обьектов. Художник утверждает, что все его последующее творчество определяется заложенными в этих экспериментах идеях, к которым он постоянно возвращается. «Год, когда я начал создавать окрашенные скульпутры был невероятным. Я не знал, откуда такие идеи приходят ко мне. Я не думал над ними, они просто сами возникали у меня в голове». Наиболее полно этот первый приод творчества Аниша Капура был представлен как часть выставочного проекта группы Новая Скульптура в лондонской галерее Hayward в 1978 году.

К концу 1980-х годов идеи Капура были признаны мировым художественным сообществом, а художник был оценен за новаторские исследования в сфере материального и нематериального искусства, в особенности за смелость возвести пустоту и свободное пространство в ранг инсталляции.

Пустоты

С 1987 года Аниш Капур начал работать в камне. Это были в основном обьекты, сделанные из каменных массивов – с вырезанными отверстиями и негативными полостями, в которых пустоты играли формообразующую роль. Они аппелировали к идее двойственности (земли - неба, материи - духа, света - темноты, видимого - невидимого, сознательного - бессознательного, мужского – женского, тела - ума). В теоретических размышлениях на тему содержания в художественном обьекте Капур ссылается на позицию Барнетта Ньюмана, отбрасывая в сторону сюжетность. Своими работами он последовательно доказывает, что содержание возникает из отстраненных размышлений о форме, о материальном, и тогда сюжетность сама по себе отходит на второй план. Возникает нечто новое.

Аниш Капур усматривает это новое в самом художнике. По его мнению, сейчас одним из наиболее мощных течений в современном искусстве становится уход от личного опыта художника. Если мы обратимсся к экспериментам в духе сюрреализма, или же любым другим вплоть до экспрессионизма – то увидим, что все они, так сказать, «служат» художнику. Капур стремится найти другой путь, в котором художник ищет содержание, на первый взгляд кажущееся абстрактным, на более глубоком, символичном уровне, который обязательно содержит философские и религиозные идеи. «Не хочу показаться напыщенным, но я считаю, что именно в этом «углублении», обращении к первичному, и есть великая тайна бытия». Капур не определяет свои работы сюжетом и содержанием. Он расширяет эту традиционную парадигму и наполняет их содержанием.

С 1995 года Аниш Капур работает с высокоотражающими поверхностями нержавеющей стали. Эти работы имеют свойства зеркал, отражающих или искажающих окружающее пространство. В последующее десятилетие скульптор решился на более масштабные проекты, где форма и пространство обыгрываются в этом контексте. Наиболее знаменательными среди них являются следующие обьекты:

Марсий 2000-е 

В 2002 году Капур представил в Millennium Dome в Лондоне проект «Параболические воды» – инсталляцию с быстро вращающимися потоками цветной воды.

Инсталляция из стали 2002 года «Марсий» площадью 320 м² была размещена в лондонской галереи Тейт Модерн. Название скульптуры отсылает к древнегреческой мифологии, к истории героя Марсия, который имел храбрость бросить вызов Аполлону в музыкальном состязании, за что был жестоко убит. «Это история о самомнении в искусстве, о тщеславии, о тщеславии творца» – комментирует выбор названия Капур.

Облачные Врата

В 2006 году «Облачные Врата» – 110-тонная скульптура Капура из нержавеющей стали с зеркальной отделкой была установлена в рамках постоянно действующей выставки в Millennium Park Чикаго. Капур говорит об этом объекте в терминах живописи: задача традиционного станкового полотна заключается в том, чтобы вовлечь зрителя в созданное пространство, пространство, которое, очевидно, уходит за пределы картинной плоскости. В отражающей же поверхности, напротив, пространство не уходит, а наступает на зрителя, создавая нечто более возвышенное, то, что нельзя создать традиционными приемами.

Скульпутра «Облачные Врата» размещена таким образом, чтобы дать возможность зрителям пройти под ней, как под мостом, и ощутить масштабы невесомого объема огромной скульпутры над собой, увидеть ее центр, как говорит Капур, «пуповину», точку, от которой форма развивается.

В тот же период использование в работах красного воска стало частью узнаваемого стиля Капура. Как основной или вспомогательный материал он призван был вызывать ассоциации с плотью, кровью и преображением. Примером такой работы стала инсталляция 2006 года с использванием текстов Салмана Рушди «Кровные связи» и «Вопрос тысячи и одной ночи», представляющая собой два бронзовых куба, соединенных красным воском, со вписанным по наружной стороне текстом.

Свайямбху

В 2007 году Капур показал обьект «Сваямбху» (что в переводе с санскрита означает «самообразующий»), в котором также был использован символизм красного воска. Работа содержит отсылки на кровь, мотивы железной дороги, что несомненно имеют связь с событиями Холокоста. 

Марсель Дюшан заявлял, что все объекты мира принадлежат сфере искусства. Капур на основе этого приниципа занимается развитием обоснования художественного обьекта в духе немецкого постмодерниста Йозефа Бойса, утверждая, что все объекты в мире еще и символичны.

В этом контексте интересно проследить логику выбора локаций для скульпутр Аниша Капура – это Haus дер Kunst музей в Мюнхене, основанный Гитлером, и музей в Нантах – городе, откуда французские евреи на поездах были сосланы в лагеря смерти.

Говоря о скульпутре Сваямбх, Капур акцентирует внимание на ее взаимодействии с архитектурой. Блок обьекта больше чем дверной проем, через который он проходит. Взаимодеймствуя в таких условиях с поставленными архитектырными рамками, скульптура начинает преобразовывать здание, в которое помещена. Сваямбх ознаменовывает цикл работ Капура начала нулевых, обьедененых идеей уничтожить границу между архитектурой и изобразительным искусством.

Память

В 2008 году Капур создал проект «Память» для инсталляций в Берлине и Нью-Йорке. Скульпутра весом в 24 тонны представляет собой огромный объем яйцевидной формы и напоминает массивные стальные обьекты Ричарда Серра, испещренные ржавчиной. Зажатая в пространстве галереи, скульпутра похожа на подводную лодку, что застряла в ущелье. Она  может быть увидена только по частям из разных залов галереи. Собрать же образ воедино можно лишь через воспоминания, по памяти. А темнота, что заполняет обьект изнутри, является олицетворением памяти, или скорее амнезии – пространства, где индивидуальные и коллективные воспоминания со временем исчезают. Пространство темноты кажется безграничным, так же как vice versas кажется безгарничным пространство света у Джеймса Террелла.

«Кинотеатр Земли» для Pollino – наибольшего национального парка Италии - был создан для проекта ArtePollino и открыт для постоянного осмотра с сентября 2009 года. Работа представляет собой глубокий вырез в ландшафте 45 метров длинной и 7 метров глубиной с отделкой из бетона и грунта. Зрители могут пройти через инсталляцию, как вдоль экрана кинотеатра и посмотреть кино Земли в безмолвной пустоте пространства созданной человеком глубины.

В 2009 году Капур стал первым приглашенным художественным руководителем Brighton Festival. В рамках которого художник представил собственные скульптуры.

Зеркало Неба

Городская инсталяция «Зеркало Неба», размещенная в садах Brighton Pavilion, стала вариацией в духе современной эстетики на тему традиционной пейзажной живописи века XVIII. Эффект работы состоит в буквальном переносе пространства неба на землю. Большая, 23-тонная сферическая скульптура из нержавеющей стали размещена на платформе в несколько метров выше уровня Рокфеллер Плазы. Ее вогнутая сторона, направленная вверх под углом 30 градусов, отражает перевернутый силует знаменитого небоскреба и бегущие сквозь него облака. Благодаря своим оптическим свойствам обьект меняется в течение дня и ночи и является примером того, что Капур называет «не-объект», скульптура, которая несмотря на свою монументальность, предполагают чистое пространство, определяются пустотой и часто кажется исчезающей в окружении. Капур обобщает: «Идея, выкристализированная моими работами на протяжении всей карьеры, это идея не-обьекта, отсутствующего обьекта, имматериальной части материального мира».

Базой для лаконичных, обманчиво простых обьектов Капура служит сложная теоретическая концепция. Через «Зерало Неба», Капур размышляет о форме в скульптуре. «Мне интересна идея о том, что форма в некотором смысле выворачивает себя наизнанку. Тогда лицевая сторона и изнанка предстваляются одинаковыми. Это то, чего мы не можем заметить, когда форма находится в привычном состоянии. Форма сама по себе находится в постоянном процессе – выворачивает и обличает свою внутреннюю сторону. Я чувствую, что именно такое понимание формы наиболее полно соответсвует духу нашего времени».

Капур также создает в рамках фестиваля большой site-specific проект, также размещенный в The Chattri (проект, в котором его местонахождение и окуржение играют решающую роль) под названием «Расчленение Жанны д'Арк» и инсталяцию на основе перформанса «Воображаемая монохромность». Реакция публики на эти работы оказалась настолько бурной и непредсказуемой, что полиции пришлось перенаправить дорожное движение вокруг комплекса и применить меры по отношению к посетителям.

Стрельба

Инсталляция «Стрельба», которая будет показана в рамках выставки в PinchukArtCenter в Киеве, представляет собой пушку, стреляющую гранулами воска в один из углов галереи. Эта работа носит характер театрального представления. По мере того как воск накапливается в углу зала, обьект выходит за свои первоначальные рамки, меняет форму.

Переворачивая мир вверх дном

В 2010 году Капуром была создана по заказу Музея Израиля в Иерусалиме работа «Переворачивая мир вверх дном». Она по описаниям автора представляет собой «16-футовые песочные часы из полированной стали, которые отражают и переворачивают небо и землю Иерусалима». Таким образом, скульптура создает визуализацию двойственности города – его святого и мирского, небесного и земного начал».

В том же году Капур был приглашен для создания пяти масштабных работ в рамках проекта Tees Valley Regeneration, ставших широко известными как Гиганты Tees Valley.

Теменос

Первой была создана и представлена публике в июне 2010 года скульптура «Теменос». Название происходит от греческого слова, обозначающего святилище, обостобленное пространство ритуала. Обьект составляет 50 метров в высоту и 110 метров в длину, и представляет собой стальную сетку, натянутую между двух огромных обручей. Несмотря на свои грандиозные масштабы благодаря такому строению, скульптура носит характер излюбленнго Капуром не-обьекта, остается эфирным, неопределенным обьемом. Но все же комментируя «Теменос», Капур, в первую очередь, обращается к теме масштаба. «Каждая идея имеет свои масштабы. Марсий не был бы тем, чем он является, будь он втреть меньше. Египедские пирамиды перестали бы быть знаковыми обьектами, измени бы они однажды свои масштабы». Капур называет масштаб инструментом скульптуры. И во владении этим инструментом Капур достиг мастерства – скульптура «Теменос», установленная в Tees Valley признана самой большой скульпутрой, когда-либо представленой на територии Великобритании.

Левиафан

Весной 2011 года работа «Левиафан» была представлена в категории Monumenta на выставке в Гран-Пале в Париже. Капур посвятил ее китайскому художнику Ай Вэйвэю, арестованному властями Китая за правозащитную деятельность, работу которого созданную специално для Киевской биеннале можно будет увидеть в Арсенале уже на следующей неделе.

Капур так обьясняет свой проект: «Это один объект, одна форма, один цвет... моя цель в его создании заключалась в сотворении пространства, которое бы чутко реагировало на светоотражающую природу главного нефа Гран-Пале. Посетители смогут пройти внутрь объекта и погрузиться в цвет. Я надеюсь, это станет для них созерцательным и поэтическим опытом». Левиафан стал отправной точкой прямых экспериментов Капура на грани архитектуры и скульптуры.

Капур активно работает с архитекторами и строительными инженерами. Но художник утверждает, что работы, созданные в сотрудничестве, нельзя с точной уверенностью отнести ни к скульптуре, ни к архитектуре в чистом виде. Из таких работ стали знаменательными следующие.

Проект «Ковчег Нова», созданный в сотрудничестве с архитектором Арата Исодзаки, целью которого стала помощь пострадавшим в следствие землетрясения в Японии 11 марта 2011 года. Работа предсталяет собой мобильный концертный зал, расчитанный на 700 человек. Его надувная оболочка изготовлена ​​из эластичного материала, обеспечивает быстрый монтаж и демонтаж, что позволяет быстрое перевезение театра по разрушеным районам страны с музыкальными концертами.  

В 2011 году Капур представил обьект «s» в миланской Fabbrica del Vapore. Проект всецело занимает производственный зал фабрики, вытянутое открытое пространство которого напоминает неф собора. Объект напоминает собой туннель, составленый из огромных стальных массивов, длина и высота которых достигает 60 и 8 метров соответственно. Вход инсталляции имеет форму кубка, задействуя округлые выгнутые внутренние и наружные поверхности, создает эффект парения и делает контакт обьъкта с поверхностью минимальным. Попадая через этот вход внутрь скульптуры, зритель со временем теряет восприятие пространства, которое постепенно становится все темнее и темнее. Таким образом, пространство объекта побуждает человека использовать для ориентирования другие, помимо привычного зрительного, органы чувств.

За время работы выставки обьект постепенно будет покрываться грунтом обьемом в 160 кубометров посредством больших механических устройств. Таким образом, вокруг туннеля сформируются трапециевидные остроконечные горы грязи, через которые он как бы будет проходить.

Орбита

В июне 2011 работа Аниша Капура и инженера Сесиля Бальмонда «Орбита» была объявлена ​​победителем в конкурсе художестенных обьектов для Олимпийских игр 2012 года, и размещена для постоянного показа в Олимпийском парке. Высотой 115 метров, Орбита стала самой высокой скульптурой Великобритании.

На вопрос, является ли ключем к успеху в работе ее ориентация на взаимодействие с публикой, художник ответчает, вторя знаменитой фразе Марселя Дюшана: «Полагаю, что художник не знает, что он делает. Я придаю большее значение зрителю. Он — творец исскуства». Капур утверждает знаковый характер зрителя для жизни его работ, и говорит: «Круг моих бессюжетных объектов может стать завершенным только благодаря зрителю. В отличие от работ сюжетных, у которых нет острой нужды в отзыве, – они сами рассказывают свою историю, замыкают круг, расставляют контрапункты без чьего-либо участия. Я же считаю такой круг незавершенным. И верю, что реализация идеи полного обновления искусства, наделения его новыми смыслами возможна только при участии зрителя».

Стать участником круга обьектов Аниша Капура и посмотреть на его работы можно будет в Киеве с 19 мая по 30 сентября 2012, во времяна его первой персональной выставки в Восточной Европе.