Новый сайт PinchukArtCentre
Перейти
укр
рус
eng
ГлавнаяВыставкиПрошлые выставкиВыставка номинантов Премии PinchukArtCentre 2018

Выставки

Выставка номинантов Премии PinchukArtCentre 2018
24 февраля 2018 - 13 мая 2018

PinchukArtCentre представляет выставку 20-ти номинантов 5-го конкурса на соискание Премии PinchukArtCentre – общенациональной премии для украинских художников в возрасте до 35 лет. Специально для этого проекта молодые художники создали новые работы при поддержке PinchukArtCentre.

Выставка представляет произведения молодых художников из всех регионов Украины и раскрывает широкий диапазон тем. Некоторые из художников работают с общественно-политическими нарративами Украины, где происходит вооруженный конфликт, и исследуют его влияние на ее граждан. Другие черпают идеи из исследования самих себя, работая с материалом, формой и медиа. Третья общая тема ряда работ – поиск, направленный в будущее, а также построение утопий.

Бйорн Гельдхоф, арт-директор PinchukArtCentre: «Пятым конкурса мы отмечаем 10 лет Премии PinchukArtCentre, оказывающей поддержку и создающей возможности для нового поколения украинских художников. После многих лет и большого количества художников, с которыми мы работали, я могу только с гордостью наблюдать появление радикально нового поколения художников, выходящих на арт-сцену. Их переживания, язык, темы – разные. Они показывают новый образ мышления и по-новому демонстрируют, каким может быть украинское искусство в будущем».

В шорт-лист, сформированный независимой отборочной комиссией из более чем 650 заявок, вошли 20 номинантов: Михаил Алексеенко (27, Киев), Юлиана Голуб (27, Харьков), Екатерина Ермолаева (32, Донецк/Киев), Анна Звягинцева (30 Днепр/Киев), Тарас Каменной(32, Харьков), Николай Карабинович (29 Одесса), Алина Клейтман (26, Харьков), Виталий Кохан (30, Сумы/Харьков), Юлия Кривич (29, Днепр), Саша Курмаз (30, Киев), Ларион Лозовой (29, Киев), Роман Михайлов (28, Харьков/Киев), Олег Перковский (33, Каменец-Подольский/Львов), Сергей Радкевич (30, Луцк/Львов), Евгений Самборский (33, Ивано-Франковск/Киев), Иван Светличный (28, Харьков/Киев), Дмитрий Старусев (32, Макеевка), Павел Хайло (29, Луганск/Киев), а также группы: Ярема Малащук (24, Коломыя/Киев) и Роман Химей (25, Коломыя/Киев), Ревковский и Рачинский (Даниил Ревковский, 24 Харьков; Андрей Рачинский, 27 Харьков.

Куратором выставки 20-ти номинантов на получение Премии PinchukArtCentre 2018 является Татьяна Кочубинская, куратор Исследовательской платформы PinchukArtCentre.

Победители Премии будут объявлены на церемонии награждения в Киеве в апреле 2018 года. Почетное международное жюри назначит Главную премию в размере 250 000 гривен, а также две специальные премии – по 60 000 гривен каждая. Кроме того, победители смогут пройти стажировку в мастерских ведущих художников мира. Обладатель приза общественности будет определен голосованием посетителей выставки номинантов Премии, и он получит 25000 гривен.

Обладатель Главной Премии будет автоматически включен в шорт-лист Future Generation Art Prize 2019 - международной премии для молодых художников, основанной Фондом Виктора Пинчука в 2009 году.

Выставка работает с 24 февраля по 13 мая 2018 года со вторника по воскресенье включительно с 12:00 до 21:00. Вход свободный.

Премия PinchukArtCentre – общенациональная премия в сфере современного искусства, основанная в 2008 году, которая присуждается украинским художникам в возрасте до 35 лет каждые два года.  Созданная Фондом Виктора Пинчука, это первая в Украине частная премия, целью которой является формирование, поддержка и развитие нового поколения молодых украинских художников.


Евгений Самборский

В своих работах Евгений Самборский тесно сотрудничает с людьми вне художественного поля и привлекает их к художественным процессам. Такая практика близка к эстетике взаимодействия, когда художник создает определенную ситуацию, в которой он/она предстает медиатором и приглашает к соучастию других людей.

В экспозиции представлены опыты сотрудничества Евгения Самборского с различными группами социального риска: детьми из центра социально-психологической реабилитации, пациентами психиатрической больницы, поселением цыган. Результатом каждого взаимодействия является совместное создание живописи, рисунков, скульптур. Процессы коллективной работы художник фиксирует в своих документальных фильмах. Каждый акт совместного творения для него - это возможность исследовать самого себя и другого, обнаруживая хрупкость человека.

Художник продолжает эту практику, приглашая к сотворчеству своего отца, который олицетворяет из себя полумаргинализированного человека, которому не хватает общения. Вместе с ним он создает скульптуру - портрет отца в молодости. Совместный опыт и художественная практика, которую художник использует как терапию для другого, одновременно помогает преодолевать собственную детскую травму.


Юлия Кривич

Название серии «Дерзость и молодоcть», над которой Юлия Кривич работает с 2015 года, происходит от одноименной хулиганской группировки, с которой художница познакомилась несколько лет назад. На фотографиях - молодые люди - футбольные болельщики-хулиганы, демобилизованные солдаты-добровольцы и активисты правого политического движения, которые при этом не отличаются от обычных юношей глобализированного мира (путешествуют по миру, отрываются на вечеринках, ездят на велосипедах и формируют свой образ в социальных сетях, в частности Instagram, которая на сегодня является инструментом самопропаганды).

В экспозиции серия объединена с артбуком, история создания которого связана с найденным в библиотеке ДК Ильича в Днепре отчетного журнала о пропаганде ленинизма среди молодежи. Принимая за основу эту книгу, художница сочетает в своем артбуке собственные фотографии, снимки из Instagram «ее героев», а также лозунги из найденной книги, сопоставляя инструменты советской пропаганды и сегодняшнего дня. Такое столкновение противоположностей свидетельствует о идеологически-политических изменениях, происходящих в нашем обществе.


Михаил Алексеенко

Михаил Алексеенко выстраивает свою художественную практику на принципах, близких к эстетике взаимодействия, когда непосредственное участие зрителя является важной и неотъемлемой составляющей произведения искусства.

Startup Troeschyna – это долгосрочный проект, основной целью которого является сбор средств в поддержку культурных инициатив, а именно развитие независимого художественного пространства «Квартира 14», которое создал художник в собственной двухкомнатной квартире на Троещине, где жила его бабушка и чья комната осталась нетронутой после ее смерти. С 2016 года по настоящее время инициатива живет за счет энтузиазма и финансирования самих художников. В проекте Startup Troeschyna художник предлагает собрать вместе 200 000 грн. как начальное финансирование для развития культурной инициативы в спальном районе города. Это будет способствовать децентрализации художественных процессов, преодолению существующих стереотипов вокруг района Троещина, а также поможет наладить добрососедские отношения между жителями района.В создании логотипа проекта художник использовал скульптуру «Скворечник» как символический образ Троещины, выступающую в проекте в качестве метафоры строительной коллективного действия.

Каждый зритель, который приобщается к инициативе, получит сувенир.

Спецификация сувенирной продукции:

  • 20 грн. – уникальная открытка
  • 50 грн. – магниты, разработанные художником
  • 100 грн. – набор открыток выставок пространства «Квартира 14»
  • 250 грн. - авторский рисунок Михаила Алексеенко
  • 600 грн. – авторская акварель Михаила Алексеенко

Виталий Кохан

Художественную практику Виталия Кохана определяет особая поэзия, тактильность, работа с материалом, который одновременно становится и темой творчества и средством выразительности. Художника интересует вопрос того, как изображение становится выражением и наоборот, когда стихийная случайная вещь приобретает изобразительные качества. Экспозиция состоит из объектов, в которых Кохан применяет простые «околонаучные» эксперименты, напоминающие опыты из уроков физики. В этих объектах зафиксировано «поведение» стихийных природных процессов. Наряду с массивными панно, в которых художник показывает отпечатки действия света, огня, воды, Кохан выводит на экран процесс роста кристалла в реальном времени, еще раз сосредоточивая наше внимание на моментах текучести, невозможности целостного восприятия и проявления неуловимого.


Николай Карабинович

В своей практике Николай Карабинович часто сочетает личный опыт и исследования различных музыкальных жанров, в частности, фольклора, а также провоцирует других художников на новое творчество.

В своей работе «Голос тонкой тишины» Карабинович обращается к трагической истории репрессий, переселения, грусти, скорби и жертвенности, опираясь на личный опыт своей семьи. Прадед художника был греком, в 1949 году он был репрессирован и выслан в Казахстан, где умер через пять лет.

Поиски информации и воспоминания отца художника о деде напомнили Карабиновичу о «рембетике» - жанре греческой песни, который сложился в Афинах в 1930-е годы и прежде всего связан с переселенцами из Малой Азии. В работе «Голос тонкой тишины» художник предложил музыканту Юрию Гуржи создать песню по мотивам жанра рембетика и совершил путешествие в Казахстан к поселению Челик, где установил символический монумент всем репрессированным. Монумент представляет собой простой громкоговоритель, из которого сегодня среди молчаливой казахской степи раздается проникновенная песня о грусти.


Сергей Радкевич

В своей художественной практике Сергей Радкевич испытывает коммуникативные возможности сакрального искусства, в частности, иконографического живописи, в современном мире.

В работе «Монумент жертвам» на основе выкроек из военной одежды художник создает объемно-пространственную форму, лишая ее первоначальной функции и атрибутов агрессии. Доводя ее до абстрактной эмблемы, символизирующей человеческую плоть, - Радкевич манифестирует абсурдность насилия.


Тарас Каменной

Работа «Этическое пятно» берет свое начало от «выставки», которую художник организовал на стройке, где он работал, в свободное от работы время. Зрителями выставки стала местная рабочая бригада. Художнику дали задание убрать территорию, которая была предоставлена соседями во временное бесплатное пользование, от строительного мусора. Каменной вскопал эту территорию, таким образом обнаружив реальные, к тому времени невидимые, границы соседних территорий. Линия границы свежевскопанной земли образовала новый участок, который становится метафорой «новой», ничейной территории.

В своей работе в PinchukArtCentre Каменной создает монументальную инсталляцию, которая в плане повторяет форму той территории. Вместе с тем, в экспозиции представлены рисунки художника, воспроизводящие его быт и уединенный образ жизни на стройке, чертежи и фотодокументация.

Жест художника на строительстве (как дань уважения одного гражданина другому гражданину) и инсталляция вместе составляют размышления художника относительно понятий о территориальной целостности.


Екатерина Ермолаева

В своей новой работе «Я, снова я и я сама» Екатерина Ермолаева продолжает работать над разработкой различных персонажей - женских и мужских, в которых она перевоплощается. Для каждого образа художница создает определенный сценарий поведения и внешний вид. В этих образах переплетаются личные страхи и переживания художницы, и одновременно они воплощают типизированные человеческие характеры. Мотивированная поисками alter ego, Ермолаева создает девять историй разных героев - своих субличностей, которые вместе образуют идеальное сообщество, безупречный мир из разных себя - от пай-девочки или отважного защитника к оторванных завсегдатаев вечеринок.


Павел Хайло

«Пересмотр правил» - это игровая модель самой игры. Игра в игру. В ней участники (работники нематериального труда) диктуют зрителям правила игр экономической тематики, приглашают зрителей эти правила обсуждать, но не меняют их. При этом, их собственные действия в пространстве подчинены правилам, которые они устанавливают друг для друга.

Согласие соблюдать правила - базовое условие успеха любой игры. Собственно, возможность обсудить правила и отличает пространство игры от повседневности, где условия угадываются интуитивно и растворены в процессах, а фактически - вынесены за пределы зоны обсуждения. К тому же, игровое взаимодействие становится одним из ключевых алгоритмов привлечения и мотивации в современных экономических и политических реалиях. Геймификация размывает границы между игрой и не-игрой, превращаясь из освободительной практики в еще один инструмент экономического подчинения.

Создатели таких инструментов - работники нематериального труда (рекламщики, пиарщики, айтишники и т.д.) или, по определению Франко Бифо Берарди, когнитариат. В современной экономике от них требуется производство творческого продукта, но такого, что не нарушает статус кво. За пределами видимости всегда остается ряд условий, которые не подлежат проблематизации. В итоге, энергия и мысли работников перенаправляются на создание новых элементов в уже заданных пределах, исключая возможность использовать знания для радикального изменения ситуации.

 

В «Пересмотре правил» участники решаются на эксперимент - сыграть в самих себя, но отстраненных выставочным пространством. Сам термин перформанс здесь находит экономическое звучание - он отсылает больше к производительности и эффективности, чем к зрелищу. Для участников все это одновременно и игра (возможность нового опыта - избавиться от рутины иной деятельности), и труд как элемент повседневной рабочего графика, источник дохода.


Роман Михайлов

В работе No Game - No Hero Роман Михайлов продолжает работать над образом с живописной серии «Страх». Из этой серии выкристаллизовался центральный герой - бегущий человек. В новой работе Михайлов концентрируется на образе героя в современном мире, где тренды заменены хайпами и потребность в герое или же пророке подвергается сомнениям. Художник привлекает зрителя к исследованию этого вопроса, предлагая ему попробовать себя в роли героя или антигероя. Но сценарий игры предполагает только два варианта действия - или бежать, или догонять.


Ларион Лозовой

В своей практике Ларион Лозовой уделяет особое внимание связи художественных и исторических явлений. В работе «Свекольная революция» он продолжает разрабатывать методологию художественного исследования. Обращаясь к материалам, связанным с революционными процессами 1917 года, он конструирует архив воображаемого события. Задолго до большевистского переворота, Февральская народно-демократическая революция олицетворила надежды миллионов граждан. Впрочем, уже она показала, как результат революционного действия может присваиваться силами, противоположными освободительному намерению. И показала примеры массового потребления революционного образа, который создавался по заказу Временного правительства, новой власти. Обслуживать этот заказ должны были художественные сообщества, пытающиеся приспособиться к изменениям. В этих условиях, художественный авангард оказался зависимым от воли политиков и крупного капитала, а критика - нейтрализованной контекстом, в котором она появлялась. Поэтому, автор предлагает рассмотреть в воображаемом конструкте «свекольной революции» очертания явлений, определяющих наше время, - культурной индустрии и политического популизма. Сделать это можно, ознакомившись с рядом архивных объектов, смонтированных кинохроник и звуковым сообщением, служащим проводником по залу.


Дмитрий Старусев

В своей художественной практике Дмитрий Старусев обращается к аналоговым фотографическим процессам, которые несут в себе ощущение непредсказуемости, тактильности и рукотворности и позволяют зрителю воспринимать работу на физическом уровне. Для автора, прежде всего, важна фиксация эмоциональной составляющей реальности, которую он находит в абстрактных композициях и воплощает с помощью фотографического медиума.

Художник создает крупноформатные аналоговые фотографии и заключает их в музейные рамы, актуализируя дискуссию о сущности самого медиума фотографии, ее автономии и освобождает ее от канонов и стереотипов, которыми она жила раньше. Будто утверждает прогнозы с «Лексикон прописных истин» Гюстава Флобера о дагерротипе, который «заменит живопись». Здесь фотографический холст воспринимается как живопись, а возможности аналоговой фотографии освобождают ее от функции документирования действительности, и вместе с тем создают чувственные пограничные образы, устраняя объект изображения и выводя на первый план именно опыт.

Идея серии «Три сестры» возникла в момент пребывания на границе трех государств - Украины, России и Беларуси. Эти работы сочетают в себе ощущение одновременно низкого, плотского опыта (от разодранных тел, измельченных внутренностей, на фоне которых из опустошенного и истреблённого прорастает новая жизнь) и ощущение религиозного трепета - подъем, благоговение, а также страха, недоступности, невыразимого, заключающего в себе что-то важное и великое. Эти образы вызывают ассоциации с библейским «Разверзлись хляби небесные» и содержат в себе размышления над началом и концом, небытием и вневременностью. Крупноформатные фотографии состоят из двух частей, являющихся технологическим ограничением, однако образованные швы воспринимаются как израненная человеческая плоть, разорванная вагина, стык границ и территорий.


Саша Курмаз

Название работы Саши Курмаза «Хроника текущих событий» заимствовано из одноименного советского правозащитного информационного бюллетеня, который распространялся через самиздат. Работа Курмаза представляет собой тотальную инсталляцию, насыщенную различными медиа и ссылками. Входя в пространство, зритель сталкивается с утверждением «Ваши жертвы были напрасными» - результат акции, которую художник провел 22 января 2018 на одном из заброшенных кладбищ Киева. Далее экспозиция разворачивается вокруг политических и социокультурных противопоставлений.

Так, в зале представлена серия фотографий «12 месяцев», состоящая из 12-ти работ, отражающих ежемесячную хронологию потерь украинских военных на востоке Украины в течение 2017 года. В экспозиции она сочетается с фотографией уничтоженного панно «Наша цель - коммунизм» на стене общеобразовательной школы в селе Володькова Девица (ранее - Красные Партизаны) на Черниговщине, 4-х канальным видеоколажем «Чрезвычайное положение», созданного из найденных и авторских видео, и закольцованным видео «Мне больше не снятся сны».

Рядом представлен тираж книг «Рай», в которых задокументирована ночная жизнь города - техно и хаус вечеринки, которые на фоне политического и экономического кризиса, пожалуй, стали единственным местом в Киеве, которое смогло объединить молодежь независимо от политической позиции и национальности . Рейв стал альтернативным миром, в котором люди формируют принципиально другой тип отношений, и одновременно призывают к миру.


Даниил Ревковский / Андрей Рачинский

Даниил Ревковский и Андрей Рачинский в своей художественной практике обращаются к социальной проблематике и внедряют стратегии журналистского расследования. Их работы основаны на переосмыслении увиденных и собранных материалов, взятых из городской среды и социальных сетей.

 

Отправной точкой работы стала электротранспортная трагедия, произошедшая 1996 году в городе Днепродзержинск (ныне - Каменское). Трамвай КТМ-5 следовал по обычному маршруту № 2а. На крутом спуске у трамвая произошел отказ систем торможения, что привело к трагедии, в результате которой погибли 34 человека и пострадали более 100 человек. Эта история натолкнула художников на расследование, которое привело к выявлению более глубоких социальных проблем. Локальная трагедия обнаружила способность и привычку человека к приспособлению.

 


Юлиана Голуб

Работа Юлианы Голуб «Алгоритмическая семья» - это видео-симуляция в реальном времени. Художница разработала алгоритм, которому подчиняется симуляция. Алгоритм анализирует новости, поступающие в реальном времени с новостных сайтов, а персонажи «Алгоритмической семьи» реагируют на них. Их реакции передаются через движения, звуковые возгласы (урчание, смех, слезы), текстовые реплики и мелодии. Персонажи способны изображать восемь базовых эмоций (гнев, страх, радость, грусть, раздражение, оживление, вдохновение, равнодушие). Вся их жизнь подчинена новостям, случайностям и схемам.

Художница помещает семью в кухню - место, которое с советских времен олицетворяло пространство частной неподцензурной беседы. В этой работе Голуб демонстрирует влияние медиа на обычную семью, но в сегодняшней ситуации непрерывного информационного потока, когда потребление медиа доводится до абсурда. Свободный доступ к информации не гарантирует ее правдивости, а реакции на нее не выходят за пределы личного пространства.


Алина Клейтман

В своей работе «Спроси у мамы» Алина Клейтман обращается к детским страхам, фобиям и переживаниям. Художница погружает зрителя в ситуацию саспенса, когда он вынужден пройти лабиринты чувств от страха до упрека. В многочисленных видеопроекциях Клейтман монументализирует части тела и подчеркивает жесты, несущие в себе повелительный, менторский и подавляющий характер, и предлагает зрителю заново пройти круги ада детских страхов и воспоминаний.


Ярема Малащук / Роман Химей

Название работы Яремы Малащука и Романа Химея «На кого ты нас покидаешь, отец наш?» цитирует строку из хоровой партии «Народа» первой картины пролога оперы Модеста Мусоргского «Борис Годунов». Именно образ «народа» является ключевой темой фильма. Его главными героями являются хористы Черниговской областной филармонии, которые приходят на работу. Художники изобразили их рабочие будни, время перед репетицией. Камера следит за действиями, выхватывая отдельные обычные сцены, больше напоминающие монотонную жизнь работы завода. Это впечатление усиливает звонок, время от времени раздающийся на протяжении фильма.

В финальной сцене фильма герои будто исповедуются, исполняя вместе хоровую партию оперы. Обращение к «посланию» в прошлом проецируется на сегодняшнюю политическую реальность, демонстрируя, в каких «декорациях» сегодня находится страна, а сам фильм предлагает критический взгляд на вечный образ обездоленного народа.


Анна Звягинцева

В своих работах Анна Звягинцева часто акцентирует внимание на неуловимых незаметных моментах из нашей повседневности. В экспозиции представлены три работы, объединенные идеей автоматического письма. Коллективный рисунок, со временем образующийся в результате бессознательного коллективного действия (следы, остающиеся от прикосновений к перилам, погашенных окурков на стене и т.д.), привлекает художницу как коллективное произведение искусства и одновременно способностью к выражению при отсутствии использования любого медиа. В художественной практике Звягинцевой в целом рисунок занимает одно из центральных мест, она подвергает его трансформациям, используя различные материалы и выводит его из двухмерной плоскости в пространственные объемные объекты. Повторяемость однообразных действий, растянутых во времени, способствует постоянному изменению произведения. Так, в экспозиции белая плоскость, служащая «основой» для объемного графитного рисунка, постоянно трансформируется - стирается, загрязняется, меняет фактуру поверхности непосредственно при участии зрителя.


Иван Светличный

Работа Ивана Светличного «Сценарий» является первой частью трилогии. В реальном времени происходит формирование алгоритмического сценария для будущего перформанса, а также закладывается основа для его визуального и звукового оформления. Основой создания сценария является обработка данных, полученных через анализ низовых протоколов Интернет с помощью серверов, локализованных в разных точках мира. Полученные данные выступают обобщенным слепком социальных взаимосвязей между людьми и визуализируются с помощью виртуальной реальности.

Выстраивание сценария базируется на глубинном исследовании природы человека: биохимической, физической, технологической, социальной. Биоматериальная «составляющая» человека олицетворяется через культивирование колоний микроорганизмов с помощью чашек Петри. Природа новой антропологии выражается через анализ данных. Потоки данных, трансформация и развитие колоний визуализируются на экранах в реальном времени. Движущиеся изображения, полученные от колоний, трансформируются в звук.

Констатируя, что на данном этапе перед человечеством встают непредвиденные задачи, в этой работе художник задумывается над тем, что будет определять статус произведения искусства в будущем, каким будет наше восприятие окружающей среды, каковы будут приоритеты, что будет представлять из себя новая визуальность в будущем, и предлагает зрителю погрузиться в гипервизуальность.


Олег Перковский

В работе «Синхронизировать настоящее» Олега Перковского беспокоит вопрос времени, возможности фиксации момента. Он воплощает эту идею через образ «недостроя». В центре экспозиции - слайд-проекция из фотографий незавершенных зданий Ужгорода и его окрестностей, которые предстают перед зрителем завершенными объектами в контексте архитектурного ритма улиц или местностей. Художник лишает изображение недостроев какого-либо социального или политического контекста, ставя на первый план размышления о позиции индивидуума во Вселенной в период постоянного оборота скоростей. Наблюдая недострои, он как бы предлагает замедлиться или синхронизироваться с земной и околоземной актуальной природой.

23 июня 2018 - 6 января 2019

Масштабная групповая выставка с участием Франсиса Алиса, группы Аллора и Кальсадилья, Олафура Элиассона, Маурицио Каттелана, Зо Леонард, Гошки Мацуги, Такаши Мураками, Сондры Перри, Паскаля Мартина Таю, Люка Тюйманса, Рейчел Уайтред и Дэмиена Херста.

30 октября 2018 - 6 января 2019

Исследовательская платформа PinchukArtCentre представляет групповую выставку «Свое пространство», которая предлагает один из возможных взглядов на историю украинского искусства и позицию женщины в ней, делая акцент на исключительных художественных феноменах и принимая во внимание сложные особенности украинского социально-политического контекста. С целью создания живого архива украинского искусства с начала 1980-x до настоящего времени, Исследовательская платформа визуализирует результаты своей работы постоянной выставочной деятельностью.